Impresionismo americano en el Thyssen

El Thyssen ofrece una gran muestra de impresionismo americano. Es la primera muestra en España sobre este fenómeno que trae de vuelta al viejo continente el brillante talento de aquellos pintores estadounidenses. Reúne ochenta pinturas, la mayoría de las cuales no se habían visto nunca a este lado del Atlántico. Obras de artistas como Mary Cassat, John Singer Sargent o James Abbot McNeill Wishtler, junto a la de otros pintores menos conocidos como Childe Hassam, Dennis Miller Bunker, Theodore Robinson o Edmond C. Trabell. 
  





Nueva York acogió en 1886 la primera gran exposición de impresionismo francés que descubrió un nuevo horizonte a los jóvenes pintores. Estos cruzarían el Atlántico para ver con sus propios ojos el nuevo estilo rupturista y luminoso. 





La impresión general después de ver la exposición fue muy positiva, ya que me disipó ciertas dudas y prejuicios que en el pasado me habían llevado a descuidar el impresionismo americano y la pintura americana en general por considerar que, antes de Pollock y Warhol, esta pintura no era más que una copia de la europea. En esta exposición, donde se puede contemplar obras de Mary Cassat, Sargent, Theodore Robinson, John Leslie Breck, William Merrit Chase y Hassam, vemos que el impresionismo americano, a pesar de haberse nutrido ampliamente del movimiento francés en cuanto a la técnica, va adquiriendo un sello propio a partir de 1890, especialmente en cuanto a la temática.

Quizás el ejemplo más claro sea el de las escenas urbana de las grandes metrópolis de la época: Nueva York, Boston y Chicago, donde vemos una atmósfera típicamente americana. Después de volver de Europa, Chase y Hassam exploraron el entorno urbano de sus ciudades  y es a partir de este momento donde el impresionismo americano parece comenzar su andadura propia.

En la última década del XIX la popularidad del impresionismo de los artistas americanos crece de manera exponencial adaptándose a la los temas americanos como se ve en la obra de pintores como Dennis Miller Bunker, Theodore Robinson, Edmond C. Tarbell y Joh Leslie Beck. 

Otros impresionistas en cuya obra vale la pena detenerse son: Twatchman, quien destacó por su predilección por Japón y su cultura, y pintó mujeres occidentales vestidas al estilo de las Geishas, con kimonos.) También Dewing y Hassam son notables por su pintura poética y sutil, con sus paisajes  nevados, melancólicos, llenos de atmósfera brumosa, casi fantástica. 







En cuanto al paisaje cabe mencionar a Denis Miller Bunker, Chase y Robinson, quienes crearon su propia escuela siguiendo los preceptos impresionistas de pintar al aire libre y nos dejaron paisajes americanos de enorme belleza.

  

Examen sorpresa

Para el examen sorpresa, se nos propuso una obra a elegir y tuvimos que escribir un análisis completo a partir de todos los conceptos aprendidos a lo largo del curso. Básicamente, hemos seguido un guión, que transcribo a continuación, ya que muy útil como herramienta para la futura interpretación y lectura de todo tipo de imágenes. 

Protocolo para interpretar una imagen visual

Hé aquí a modo de repaso los elementos más importantes que debemos tener en cuenta siempre que interpretemos una imagen:

Desde el punto de vista objetivo:

1. Forma
2. Composición
3. Formato
4. Tamaño
5. Marco
6. Textura
7.Color
8. Iluminación

Desde el punto de vista subjetivo:

1. Análisis retórico
2. Análisis simbólico
3. Contextualización
4. Objetivo e intencionalidad
5. Interpretación final de una imagen
6. Comparación con otros artistas

La Iluminación

La luz y la sombra han tenido siempre una fuerte connotación simbólica en nuestra cultura. Desde el principio la luz ha estado relacionada con lo sagrado, Dios, lo divino, la creación original. El mito de Prometeo es un ejemplo de la importancia del fuego para la especie, el fuego como elemento que expresa la victoria del hombre sobre la naturaleza, de la luz sobre la oscuridad, etc.


Por otro lado, no debemos olvidar que el Hades era para los griegos aquel lugar donde sólo vivían las sombras y en este sentido, la sombra ha tenido para nuestra cultura un carácter misterioso, relacionado muchas veces con la muerte o el no-ser. Sin embargo, las sombras también nos orientan en el mundo, nos hablan del tamaño de los objetos, además de completar su forma. Nos dicen dónde está el sol, nos dan la hora, nos ayudan a medir, por ejemplo, el perímetro y el radio terrestres.




En el arte occidental la luz es un elemento clave de la obra, el tipo de luz que se utilice depende de factores relacionados con la cultura, el clima y el momento histórico en que se vive.

Existen varios tipos de iluminación:

En cuanto a su fuente podemos distinguir entre:
Luz natural: Es aquella que obtenemos mediante la luz solar. 
Luz artificial: Generada por focos, linternas, etc.

En cuanto a su origen, el tipo de luz dependerá de dónde esté ubicada la fuente de luz. Puede ser frontal, lateral, cenital, etc. 

Podemos destacar a Eugenio Recuenco por tratarse de un artista que suele trabajar con luz natural, jugando con sus posibilidades y dirigiéndola mediante cortinajes u objetos para obtener resultados muy interesantes. Para ello se nutre de los grandes maestros de la luz, como J. Vermeer.









La iluminación artificial es la emitida por los focos. Puede ser continua, como la luz de un foco encendido, o discontinua, como la de los flashes de las cámaras. Puede ser también regular o irregular. 

La luz obvia nos indica el volumen de los objetos, mientras que la penumbra es aquella región entre la luz y la sombra donde no se sabe muy bien dónde acaba una y dónde empieza la otra.
Un ejemplo del uso de la iluminación como elemento protagonista de la obra es el que dieron muchos pintores del siglo XVIII y XIX, para quienes la luz dorada del amanecer simbolizaba el nacimiento de una nación. En el arte contemporáneo encontramos algunos ejemplos del uso de la luz del ocaso para expresar la decadencia de una nación. 




Pero sin duda, fueron los impresionistas los que dieron a la luz un papel absolutamente protagónico en sus obras. 




Otros artistas que trabajan con la luz como un componente principal en sus obras:

Goya:



Paul Signac. Cambió la manera de ver la realidad a través de la pintura puntillista. Impulsó toda una forma diferente de representar la luz y la sombra en la composición.

En el arte contemporáneo encontramos a:

Francis Bacon. Pintor anglo-irlandes cuya obra se inscribe en lo figurativo idiosincrásico. Sus obras se caracterizan por la deformación y la ambigüedad. Bacon trabajaba siempre con luz artificial, ya que solía pintar de noche.






Rafael Lozano-Hemmer, artista electrónico mexicano que trabaja con luces en la arquitectura, performances, y teatro tecnológico. Trabaja también con la proyección de sombras, otorgando un sentido mágico y misterioso al elemento de la luz.









Fabrizio Corneli es un artista italiano que trabaja con esculturas en miniaturas que, al ser reflejadas con luz desde un punto estratégico, proyectan su verdadera forma e intención.









- Simon Norfolk. fotógrafo nigeriano, se especializó en el fotodocumentalismo y es así como lo plasma en cada una de sus fotografías. Pareciera que a través de la luz natural nos cuenta una historia en cada imagen, utiliza la luz para expresar nacimiento y decadencia.






Dan Flavin, artista norteamericano, fue el primero en trabajar con tubos fluorescentes. Perteneció al movimiento minimalista.







Roman Vitali. Artista argentino que también trabaja con luz LED.





Makoto Tojiki es un artista y diseñador japonés que utiliza la luz como su principal elemento de composición. Utiliza luz LED para crear figuras y formas.

Iluminación con linternas

En el plató hemos aprendido una nueva forma de usar la cámara para conseguir fotos muy interesantes visualmente, con muchas posibilidades y mejor aún ¡con un presupuesto mínimo! Sólo hace falta una cámara que permita manupular el tiempo de exposición, unas linternas y unas gelatinas de colores... y por supuesto, algunas nociones básicas de fotografía.

A continuación, algunas de estas nociones, que la profesora explicó en la clase anterior:

-ISO: Determina la sensibilidad del sensor de la cámara de manera que a mayor número de ISO, el sensor capta más luz, pero al mismo tiempo genera más ruido. El ISO se aumentará o reducirá dependiendo de cómo de abierto esté el diafragma y de la velocidad del obturador. En este caso, no fue necesario usar un gran ISO, algunas fotografías se tomaron como mucho a 400 y según se reducía la velocidad del obturador, disminuíamos la sensibilidad dejándola al final en 100.

- Diafragma: Es comparable al iris del ojo, ya que regula la cantidad de luz que entra al sensor. Así, cuanto mayor sea el número f, más cerrado estará este y menos luz entrará y por el contrario, cuanto menor sea f, mayor será la apertura y más luz entrará. Para tomar fotografías en zonas con poca iluminación como las siguientes, conviene usar un f/5,6 o menor si el objetivo lo permite.

- Obturador: El obturador determina la velocidad con la que se captura la imagen. A mayor velocidad se obtienen capturas congeladas pero esto se debe hacer en zonas bien iluminadas y usando incluso a veces el flash. Para conseguir el "movimiento", se debe usar una velocidad lenta. En este ejercicio, para capturar el movimiento de la luz, se usó al principio una velocidad de 15" y en las últimas fotografías se configuró la cámara en el modo "BULB", el cual permite aguantar tanto tiempo como mantengas pulsado el botón. 

Para hacer el ejercicio es necesario que la cámara permita una exposición de al menos 30 segundos. Mi cámara sólo me permite 15 como máximo, por eso algunas fotos no salieron muy bien, pero valió la pena aprender este método tan sencillo y barato, que permite resultados realmente espectaculares. Aquí dejo algunas de mis fotos:

Marco, tamaño y formato

El formato

Deriva de la forma. En la producción artística el formato se refiere a las dimensiones de una obra de arte. Generalmente se confunde el tamaño con el formato, pero no es lo mismo, el formato se refiere a los materiales y la forma, la altura, la anchura y la profundidad de la obra en caso de que sea tridimensional.

En pintura puede ser vertical u horizontal. En escultura puede ser también cúbico, redondo, irregular, etc. dependiendo de la forma que tenga la pieza en su conjunto. Determina el encuadre y controla la composición a través de las proporciones y la orientación. Puede ser material o digital. La Gioconda, por ejemplo, tiene un formato de retrato en cuadrado.

El marco

Pone los límites entre la forma y el resto del mundo. Es todo aquello que rodea la forma, es un concepto que se utiliza por igual tanto para pintura como en escultura. En escultura el espacio es el marco, por lo que es muy importante para un escultor el saber integrar la escultura en un determinado lugar.

El Tamaño 

Se refiere a lo grande o pequeña que sea la obra, puede ser grande o pequeña. El tamaño de una obra tiene un efecto psicológico muy significativo en el espectador. Si la obra es grande tiene un impacto muy fuerte en el espectador.Esta estrategia es muy utilizada en publicidad. Una obra pequeña crea una relación intimista con el espectador.

En este apartado hemos destacado a Christo, de quien ya hemos hablado en este blog:

La textura

La textura es la materia de la que está hecho un cuerpo. Tanto la textura como la contextualización nos dan las claves de reconocimiento de aquello que nos rodea.

En pintura es "aquello que se puede tocar" en una obra de arte y se percibe como una serie de variaciones o irregularidades en la superficie de la obra. La función de las texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y/o lograr sensaciones en los espacios que observamos.

La textura puede ser:
Natural: representa texturas de la naturaleza.
Visual: remite a una experiencia táctil.
Artificial: representa la textura de los objetos creados por el hombre.
Simulada: lo que se ve y lo que se toca no coincide.

Las texturas tienen un peso importante en una obra pictórica ya que pueden ser el elemento principal de la obra. Podemos encontrar texturas que nos remiten a lo áspero, lo seco, lo suave, lo frío, lo rugoso, líquido, caliente, húmedo, duro, podrido, sucio, blando, grasiento, putrefacto, metálico, etc.

En el arte posmodernista encontramos muchos artistas que se alimentan de texturas putrefactas.

Artistas del día:

Ron Mueck: Es un escultor australiano que actualmente trabaja en el Reino Unido. Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth oThe Dark Crystal. Sin embargo había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente. Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.





Juan Zamora: Nacido en Madrid, estudio Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. El mismo describe su dibujo como posición artística; indagar en un lenguaje complejo con un dibujo sencillo y primario, reduciendo el espectáculo al mínimo; intimar con el espectador a través de los personajes, los espacios y situaciones que desde el papel interactuan con el espacio que les rodea; mezclar lo imaginario con lo real, darle a la obra una vida imaginaria.



Chiharu Shiota: Es una artista especializada en la realización de performances e instalaciones. Es conocida por la creación de obras que llenan espacios vacíos y por lo que ella llama: ambientes poéticos, monumentales y delicados. La obra de Shiota trata sobre la memoria y el olvido, los sueños, las huellas del pasado, la infancia y la ansiedad. Entre su trabajo se encuentra la impenetrable instalación de hilo negro que a menudo encierra hogares y objetos que en ella habitan, espacios en los que se juega con los recuerdos en la mente.




Zhang Huan: Artista chino que comenzó su carrera como pintor y luego pasó al arte de acción para finalmente volver a la pintura. Aunque es ante todo un artista de performance, toca todos los géneros, incluyendo la fotografía y la escultura.

El color II

¿Qué es el color?
La definición no es tan fácil como podría parecer, sobre todo, si tenemos en cuenta de que los nombres de los colores son convenciones sociales y que no todos vemos la misma cosa cuando decimos por ejemplo "azul".

Como definición general, podríamos decir que el color es aquella sensación que percibimos por el sentido de la vista y cuyas cualidades varían según su longitud de onda. Aún así, todo color varía según su contexto, viéndose modificado por los colores de los objetos que le rodean.
Un color puede transformarse según sea el color del fondo en el que está inserto, como en la siguiente imagen:




Los colores se pueden clasificar de diferentes maneras:

Colores luz (síntesis aditiva): La síntesis aditiva permite obtener un color de luz a través de la suma de otros colores. Normalmente emplea luz roja, azul y verde y combinando estos colores de dos en dos en proporciones iguales, se obtienen los colores aditivos secundarios: cian, magenta, amarillo. La ausencia de los tres da lugar al negro y la suma, al blanco.




Colores pigmentos (mezcla sustractiva): En la síntesis sustraciva los colores primarios son los que antes eran secundarios en la síntesis aditiva, es decir, el amarillo, el magenta y el cian. La mezcla sobre un papel blanco de cian y magenta a partes iguales dará como resultado el violeta. De igual manera, magenta y amarillo formarán el rojo; cian y amarillo darán lugar al verde. Violeta, verde y rojo son los colores secundarios en este tipo de mezcla, más oscuros que los primarios. Los tres primarios mezclados dan el negro.




Visto esto, ¿cuáles son los colores los cuales debemos considerar primarios?
Pues ni los del modelo RGB, ni los del CMYK. En Bellas Artes se usa el modelo RYB en el cual los colores primarios son el rojo, el azul y el amarillo.
Y si esos colores son los primarios, los secundarios son aquellos que se obtienen de la mezcla de dos primarios: verde, naranja y violeta.

Colores complementarios: Son aquellos colores que tienen entre sí una relación de no participación. Es decir, el complementario de un color determinado es aquel color que no participa en su mezcla. Por ejemplo, si el naranja es la mezcla entre amarillo y rojo, entonces, el único color primario que no participa en la composición del naranja es el azul, por lo tanto, es su complementario. Así nos queda el siguiente esquema de complementarios:

Azul - Naranja
Amarillo - Violeta
Rojo - Verde

Ahora podemos analizar un círculo cromático:




Colores primarios: los colores primarios son aquellos que no se pueden producir a partir de la mezcla de otros y con lo que es posible mezclar una mayor gama de tonos. Se caracterizan por su diferencia entre sí pues los colores primarios carecen de matices en común. Son la pieza clave a partir de la cual se construye el circulo cromático.
Primero se sitúan los colores primarios en posiciones equidistantes, de la mezcla de los colores primarios se producen los colores secundarios y de la mezcla de un color primario con su secundario se crea un color terciario (o intermedio).

-Colores primarios luz (RGB): rojo, verde, azul.
-Colores primarios pigmentos (CMY) : cian, magenta, amarillo.
-Colores primarios tradicionales (RYB): rojo, amarillo, azul.

Colores secundarios: se obtienen de la mezcla de dos colores primarios y a su vez complementario de un tercer color primario, aquel que no interviene en su elaboración.

Colores terciarios:  Se denomina color terciario a aquel color obtenido de la mezcla de un color primario y uno de sus colores secundarios adyacentes.

En un círculo cromático de doce colores se obtienen seis colores terciarios de la mezcla de tres colores primarios y tres colores secundarios. Los colores terciarios se sitúan entre los colores que intervienen en su mezcla a una distancia equidistante entre sí.

-Amarillo + verde = verde claro

-Magenta + naranja = rojo

-Magenta + violeta = morado

-Cian + violeta = añil

-Cian + verde= azul turquesa

Colores adyacentes: son aquellos situados en relación de vecindad a ambos lados de los colores. Por ejemplo, los colores adyacentes del color rojo serían el naranja y el violeta.

La post-imagen negativa es el fenómeno por el cual, al observar una imagen de un color determinado durante un tiempo, y seguidamente se observa una imagen blanca, se verá su color complementario. Así por ejemplo, si observas una imagen roja, al desviar la mirada al fondo blanco, se verá verde.
Esto se debe a que el ojo cuando usa los receptores de un color, busca el equilibrio perdido mediante el uso del complementario o negativo.

Las armonías de complementarios producen fuertes contrastes, mientras que las armonías entre colores adyacentes son más elegantes.


Artistas analizados en la clase sobre el color:

- Mademoiselle Maurice, es una artista francesa que trabaja con el origami con papel y técnicas muy sencillas y humildes, quiere transmitir esto a través de su obra.
Trabaja con colores sustractivos y aditivos.

 




- Javier Banegas, artista plástico español. Suele trabajar con colores básicos y complementarios en sus obras realistas, que dicen más que el discurso que pueda decir el artista.




- Carmen Calvo, artista valenciana influenciada por el Pop Art. Su obra se ve vinculada al contexto social e histórico, esas reminiscencias que van unidas directamente con su objeto artístico. En algunas de sus obras juega con el contraste del color, entre lo cálido, lo frío, lo que se opone pero dentro de estos polos opuestos hay una unidad mucho más estrecha de la que se piensa.




- Ferdinado Scianna, periodista y fotógrafo italiano, miembro de Magnum Photos.

 




 - Oukalele, y sus obras donde utiliza el contraste entre colores secundarios y complementarios.






- Paloma Navares, artista visual multidisciplinar española. Profundiza en el mundo de la mujer con sus ritos costumbres y tradiciones. Ha trabajado la fotografía, la instalación, la video instalación, videocreación, sonido y luz. También ha realizado esculturas y collages. En su obra están presentes los colores complementarios.