Iluminación con linternas

En el plató hemos aprendido una nueva forma de usar la cámara para conseguir fotos muy interesantes visualmente, con muchas posibilidades y mejor aún ¡con un presupuesto mínimo! Sólo hace falta una cámara que permita manupular el tiempo de exposición, unas linternas y unas gelatinas de colores... y por supuesto, algunas nociones básicas de fotografía.

A continuación, algunas de estas nociones, que la profesora explicó en la clase anterior:

-ISO: Determina la sensibilidad del sensor de la cámara de manera que a mayor número de ISO, el sensor capta más luz, pero al mismo tiempo genera más ruido. El ISO se aumentará o reducirá dependiendo de cómo de abierto esté el diafragma y de la velocidad del obturador. En este caso, no fue necesario usar un gran ISO, algunas fotografías se tomaron como mucho a 400 y según se reducía la velocidad del obturador, disminuíamos la sensibilidad dejándola al final en 100.

- Diafragma: Es comparable al iris del ojo, ya que regula la cantidad de luz que entra al sensor. Así, cuanto mayor sea el número f, más cerrado estará este y menos luz entrará y por el contrario, cuanto menor sea f, mayor será la apertura y más luz entrará. Para tomar fotografías en zonas con poca iluminación como las siguientes, conviene usar un f/5,6 o menor si el objetivo lo permite.

- Obturador: El obturador determina la velocidad con la que se captura la imagen. A mayor velocidad se obtienen capturas congeladas pero esto se debe hacer en zonas bien iluminadas y usando incluso a veces el flash. Para conseguir el "movimiento", se debe usar una velocidad lenta. En este ejercicio, para capturar el movimiento de la luz, se usó al principio una velocidad de 15" y en las últimas fotografías se configuró la cámara en el modo "BULB", el cual permite aguantar tanto tiempo como mantengas pulsado el botón. 

Para hacer el ejercicio es necesario que la cámara permita una exposición de al menos 30 segundos. Mi cámara sólo me permite 15 como máximo, por eso algunas fotos no salieron muy bien, pero valió la pena aprender este método tan sencillo y barato, que permite resultados realmente espectaculares. Aquí dejo algunas de mis fotos:

Marco, tamaño y formato

El formato

Deriva de la forma. En la producción artística el formato se refiere a las dimensiones de una obra de arte. Generalmente se confunde el tamaño con el formato, pero no es lo mismo, el formato se refiere a los materiales y la forma, la altura, la anchura y la profundidad de la obra en caso de que sea tridimensional.

En pintura puede ser vertical u horizontal. En escultura puede ser también cúbico, redondo, irregular, etc. dependiendo de la forma que tenga la pieza en su conjunto. Determina el encuadre y controla la composición a través de las proporciones y la orientación. Puede ser material o digital. La Gioconda, por ejemplo, tiene un formato de retrato en cuadrado.

El marco

Pone los límites entre la forma y el resto del mundo. Es todo aquello que rodea la forma, es un concepto que se utiliza por igual tanto para pintura como en escultura. En escultura el espacio es el marco, por lo que es muy importante para un escultor el saber integrar la escultura en un determinado lugar.

El Tamaño 

Se refiere a lo grande o pequeña que sea la obra, puede ser grande o pequeña. El tamaño de una obra tiene un efecto psicológico muy significativo en el espectador. Si la obra es grande tiene un impacto muy fuerte en el espectador.Esta estrategia es muy utilizada en publicidad. Una obra pequeña crea una relación intimista con el espectador.

En este apartado hemos destacado a Christo, de quien ya hemos hablado en este blog:

La textura

La textura es la materia de la que está hecho un cuerpo. Tanto la textura como la contextualización nos dan las claves de reconocimiento de aquello que nos rodea.

En pintura es "aquello que se puede tocar" en una obra de arte y se percibe como una serie de variaciones o irregularidades en la superficie de la obra. La función de las texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y/o lograr sensaciones en los espacios que observamos.

La textura puede ser:
Natural: representa texturas de la naturaleza.
Visual: remite a una experiencia táctil.
Artificial: representa la textura de los objetos creados por el hombre.
Simulada: lo que se ve y lo que se toca no coincide.

Las texturas tienen un peso importante en una obra pictórica ya que pueden ser el elemento principal de la obra. Podemos encontrar texturas que nos remiten a lo áspero, lo seco, lo suave, lo frío, lo rugoso, líquido, caliente, húmedo, duro, podrido, sucio, blando, grasiento, putrefacto, metálico, etc.

En el arte posmodernista encontramos muchos artistas que se alimentan de texturas putrefactas.

Artistas del día:

Ron Mueck: Es un escultor australiano que actualmente trabaja en el Reino Unido. Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth oThe Dark Crystal. Sin embargo había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente. Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.





Juan Zamora: Nacido en Madrid, estudio Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. El mismo describe su dibujo como posición artística; indagar en un lenguaje complejo con un dibujo sencillo y primario, reduciendo el espectáculo al mínimo; intimar con el espectador a través de los personajes, los espacios y situaciones que desde el papel interactuan con el espacio que les rodea; mezclar lo imaginario con lo real, darle a la obra una vida imaginaria.



Chiharu Shiota: Es una artista especializada en la realización de performances e instalaciones. Es conocida por la creación de obras que llenan espacios vacíos y por lo que ella llama: ambientes poéticos, monumentales y delicados. La obra de Shiota trata sobre la memoria y el olvido, los sueños, las huellas del pasado, la infancia y la ansiedad. Entre su trabajo se encuentra la impenetrable instalación de hilo negro que a menudo encierra hogares y objetos que en ella habitan, espacios en los que se juega con los recuerdos en la mente.




Zhang Huan: Artista chino que comenzó su carrera como pintor y luego pasó al arte de acción para finalmente volver a la pintura. Aunque es ante todo un artista de performance, toca todos los géneros, incluyendo la fotografía y la escultura.

El color II

¿Qué es el color?
La definición no es tan fácil como podría parecer, sobre todo, si tenemos en cuenta de que los nombres de los colores son convenciones sociales y que no todos vemos la misma cosa cuando decimos por ejemplo "azul".

Como definición general, podríamos decir que el color es aquella sensación que percibimos por el sentido de la vista y cuyas cualidades varían según su longitud de onda. Aún así, todo color varía según su contexto, viéndose modificado por los colores de los objetos que le rodean.
Un color puede transformarse según sea el color del fondo en el que está inserto, como en la siguiente imagen:




Los colores se pueden clasificar de diferentes maneras:

Colores luz (síntesis aditiva): La síntesis aditiva permite obtener un color de luz a través de la suma de otros colores. Normalmente emplea luz roja, azul y verde y combinando estos colores de dos en dos en proporciones iguales, se obtienen los colores aditivos secundarios: cian, magenta, amarillo. La ausencia de los tres da lugar al negro y la suma, al blanco.




Colores pigmentos (mezcla sustractiva): En la síntesis sustraciva los colores primarios son los que antes eran secundarios en la síntesis aditiva, es decir, el amarillo, el magenta y el cian. La mezcla sobre un papel blanco de cian y magenta a partes iguales dará como resultado el violeta. De igual manera, magenta y amarillo formarán el rojo; cian y amarillo darán lugar al verde. Violeta, verde y rojo son los colores secundarios en este tipo de mezcla, más oscuros que los primarios. Los tres primarios mezclados dan el negro.




Visto esto, ¿cuáles son los colores los cuales debemos considerar primarios?
Pues ni los del modelo RGB, ni los del CMYK. En Bellas Artes se usa el modelo RYB en el cual los colores primarios son el rojo, el azul y el amarillo.
Y si esos colores son los primarios, los secundarios son aquellos que se obtienen de la mezcla de dos primarios: verde, naranja y violeta.

Colores complementarios: Son aquellos colores que tienen entre sí una relación de no participación. Es decir, el complementario de un color determinado es aquel color que no participa en su mezcla. Por ejemplo, si el naranja es la mezcla entre amarillo y rojo, entonces, el único color primario que no participa en la composición del naranja es el azul, por lo tanto, es su complementario. Así nos queda el siguiente esquema de complementarios:

Azul - Naranja
Amarillo - Violeta
Rojo - Verde

Ahora podemos analizar un círculo cromático:




Colores primarios: los colores primarios son aquellos que no se pueden producir a partir de la mezcla de otros y con lo que es posible mezclar una mayor gama de tonos. Se caracterizan por su diferencia entre sí pues los colores primarios carecen de matices en común. Son la pieza clave a partir de la cual se construye el circulo cromático.
Primero se sitúan los colores primarios en posiciones equidistantes, de la mezcla de los colores primarios se producen los colores secundarios y de la mezcla de un color primario con su secundario se crea un color terciario (o intermedio).

-Colores primarios luz (RGB): rojo, verde, azul.
-Colores primarios pigmentos (CMY) : cian, magenta, amarillo.
-Colores primarios tradicionales (RYB): rojo, amarillo, azul.

Colores secundarios: se obtienen de la mezcla de dos colores primarios y a su vez complementario de un tercer color primario, aquel que no interviene en su elaboración.

Colores terciarios:  Se denomina color terciario a aquel color obtenido de la mezcla de un color primario y uno de sus colores secundarios adyacentes.

En un círculo cromático de doce colores se obtienen seis colores terciarios de la mezcla de tres colores primarios y tres colores secundarios. Los colores terciarios se sitúan entre los colores que intervienen en su mezcla a una distancia equidistante entre sí.

-Amarillo + verde = verde claro

-Magenta + naranja = rojo

-Magenta + violeta = morado

-Cian + violeta = añil

-Cian + verde= azul turquesa

Colores adyacentes: son aquellos situados en relación de vecindad a ambos lados de los colores. Por ejemplo, los colores adyacentes del color rojo serían el naranja y el violeta.

La post-imagen negativa es el fenómeno por el cual, al observar una imagen de un color determinado durante un tiempo, y seguidamente se observa una imagen blanca, se verá su color complementario. Así por ejemplo, si observas una imagen roja, al desviar la mirada al fondo blanco, se verá verde.
Esto se debe a que el ojo cuando usa los receptores de un color, busca el equilibrio perdido mediante el uso del complementario o negativo.

Las armonías de complementarios producen fuertes contrastes, mientras que las armonías entre colores adyacentes son más elegantes.


Artistas analizados en la clase sobre el color:

- Mademoiselle Maurice, es una artista francesa que trabaja con el origami con papel y técnicas muy sencillas y humildes, quiere transmitir esto a través de su obra.
Trabaja con colores sustractivos y aditivos.

 




- Javier Banegas, artista plástico español. Suele trabajar con colores básicos y complementarios en sus obras realistas, que dicen más que el discurso que pueda decir el artista.




- Carmen Calvo, artista valenciana influenciada por el Pop Art. Su obra se ve vinculada al contexto social e histórico, esas reminiscencias que van unidas directamente con su objeto artístico. En algunas de sus obras juega con el contraste del color, entre lo cálido, lo frío, lo que se opone pero dentro de estos polos opuestos hay una unidad mucho más estrecha de la que se piensa.




- Ferdinado Scianna, periodista y fotógrafo italiano, miembro de Magnum Photos.

 




 - Oukalele, y sus obras donde utiliza el contraste entre colores secundarios y complementarios.






- Paloma Navares, artista visual multidisciplinar española. Profundiza en el mundo de la mujer con sus ritos costumbres y tradiciones. Ha trabajado la fotografía, la instalación, la video instalación, videocreación, sonido y luz. También ha realizado esculturas y collages. En su obra están presentes los colores complementarios.

Primer examen

Nuestro primer examen de la asignatura fue curioso, una experiencia nueva.
El objetivo: crear una cartografía contemporánea utilizando como base un autorretrato. De esta forma podemos explorar la gestualidad, los rasgos, etc. como si se tratase de un territorio, dando cabida a todo un mapa de conceptos que relacionan el rostro con la geografía, el viaje con la tranformación interior, los accidentes de un terreno con la topografía de los sentimientos. Como ejemplo, esta obra de Michael Druks, realizada en 1973.

 Michael Druks en su serie titulada "Druksland" exploró mediante la estética cartográfica los aspectos constitutivos de su personalidad.

MATERIALES PARA LLEVAR AL EXAMEN:


1-CÁMARA DE FOTOS, MÓVIL CON CÁMARA O TABLET...
2-PAPEL DE DIBUJO TAMAÑO DIN A3 Y PAPEL VEGETAL DEL MISMO TAMAÑO
3-LAPICEROS DE COLORES Y LAPICEROS DE GRAFITO
4-MAPA CON COTAS (EN EL QUE APAREZCA ALGUNA MONTAÑA Y ALGUN LAGO (SE PUEDE OBTENER DE INTERNET)
5- ALFILERES DE COSTURA 


PARTE 1

Parte práctica:
-HAZTE UN SELFIE
-AUMENTA SU TAMAÑO HASTA DIN A3
-INTERPRÉTALO COMO UN MAPA (uso de texturas)
-LOCALIZA ZONAS IMPORTANTES Y SEÑALA LAS FORMAS MARCANDO SU PERÍMETRO CON ALFILERES
-INCLUYE NOMBRES DE ACCIDENTES GEOGRÁFICOS: LAGOS, RÍOS, MONTAÑAS...

PARTE 2

Parte teórica:
Describe y justifica en los 5 apartados correspondientes a las partes teóricas: ¿Que  has aplicado de cada uno de los temas?

 1.Que es una imagen, tipo de imagen, grado de iconicidad...
 2.Composición

 3.Forma
 4.Textura
 5.Tamaño, formato y marco



CALIFICACIÓN DEL EJERCICIO:


Práctico
1.Resolución técnica del dibujo (1 punto por cada parte perfectamente resuelta)
2.Ajuste a medidas
3.Estudio de la forma
4.Aplicación de textura correcta
5.Acabado final

La forma II

La clase empezó con una introducción a la idea de forma. Se intentó contestar a la pregunta "¿Qué es la forma?"
Un conjunto de lineas y superficie que delimitan un cuerpo en el espacio.Es el límite entre un cuerpo y el espacio. O según Rudolph Arnheim, la forma sirve para informarnos acerca de la naturaleza de las cosas a través de su aspecto exterior.

Las formas pueden ser:
 - Naturales
 - Artificiales
Estas a su vez se dividen en formas estables o variables. La mayoría de las formas son variables, varían con el tiempo y el crecimiento.

En la naturaleza se encuentran las siguientes formas según la función que cumplan: En base a este dato vimos lo que sugieren las distintas formas dentro de la imagen.

La esfera: Esta forma tiene la misma presión en todos sus puntos, centra la atención en ella además de guardar y proteger lo que ella contiene.

M.C. Escher

Onda: Mueve y transporta, da sensación de movimiento



Ángulo: Fija y penetra,esto se debe a que concentra toda la información en un punto en el que coinciden todas las lineas




Hexágono: Pavimenta, es decir rellena superficies




Fractales: Consisten en una repetición análoga y proporcional de un elemento en el espacio, puede ser siguiendo la secuencia de Fibonacci.



Parábola: Lleva el peso de la imagen a un punto concreto

Hélice: Agarra, es decir, en una imagen la presencia de la hélice puede aguantar bastante peso respecto a otros elementos


Espiral: Es una estructura que empaqueta la información ya que centra toda la atención en su interior mediante un recorrido óptico




EL RECTÁNGULO DORADO Y LA SUCESIÓN DE FIBONACCI

El rectángulo de oro parte de un cuadrado dividido en dos partes:


(a+b)/a = a/b = φ = 1,618...

Posee las proporciones áureas. A partir de este rectángulo se obtiene la espiral logarítmica áurea.

La sucesión de Fibonacci es una sucesión infinita de números en la que a cada número se obtiene de la suma de los dos anteriores. La división entre un número de estos y su anterior se aproxima al número áureo.
1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55...



EL HOMBRE DE VITRUVIO
En el dibujo de da Vinci se representa al hombre inscrito en una circunferencia y un cuadrado mostrando las proporciones del cuerpo humano de las cuales algunas son:
El rostro, de la barbilla a la frente es 1/10 de la altura.
Además 1/3 del rostro es la frente, 1/3 la nariz que coincide con la oreja y el último tercio va desde el final de la nariz al mentón.
El pie es 1/6 de la altura.
El ombligo es el centro de la circunferencia.
Desde los pezones a la cabeza se obtiene 1/4 del cuerpo.
La altura es igual a la envergadura.
A partir de estos datos, cada uno tuvo que representarse así mismo de manera similar y tomarse medidas para comprobar si se cumple lo anterior.

Qué es una imagen

 La primera clase consistió en un acercamiento inicial a lo que es una imagen. La primera parte de la clase fue teórica y en ella la profesora explicó en qué consiste una imagen y cómo debe leer una imagen un estudiante de Bellas Artes. Cómo todo futuro artista debe ser capaz de analizar críticamente las imágenes que tiene a su alrededor, debe saber también construir imágenes y contextualizarlas adecuadamente. Para ello, es necesario qué conozca los tipos de imágenes que hay y los lenguajes con los que puede aproximarse a su análisis.

 

La segunda parte de la clase fue un ejercicio práctico que consistió en lo siguiente:

Tres compañeros se quedaron en clase mientras que los demás salieron. Los tres que quedaron en la clase tuvieron tres minutos para mirar una imagen y prepararse para describirla a los demás. Más tarde entraron los demás. Los tres compañeros describieron la imagen que habían visto para que los otros pudieran imaginarla. Durante doce minutos, los compañeros que no habían visto la imagen trataron de imaginarla y dibujarla. Los resultados en general fueron muy diferentes a la imagen inicial. 

Esto prueba que el lenguaje de las imágenes es mucho más universal y directo que el de las palabras, que pueden más fácilmente inducir a equívocos. 

Una imagen vale más que mil palabras, dice el proverbio. De la misma manera, una idea compleja puede ser comunicada en una milésima de segundo a través de una imagen. De ahí que el invento de la fotografía haya sido tan decisivo a la hora de documentar, criticar y denunciar.

Grados de Iconicidad

El grado de iconicidad es el parecido que tiene una imagen con la realidad que se quiere representar, pudiendo encontrar varios grados de iconicidad, siendo los más básicos:


Grado de iconicidad bajo, siendo imágenes más abstractas. (como por ejemplo las imágenes muy pixeladas)


Grado de iconicidad medio, imágenes que tiene un término medio entre las abstractas y las realistas


Grado de iconicidad alto, son las imágenes más realistas



Esta clase se basó en estos grados de iconicidad. La clase se dividió en varios grupos, cada grupo tomaría la imagen de un artista.  En nuestro caso, optamos por un escultor, Isamu Noguchi, del cual escogimos una imagen y a partir de esta (la cual tendría el grado de iconicidad medio) hallaríamos dos imágenes de un grado de iconicidad más bajo y otras dos con un grado de iconicidad más alto.

Laura Torrado y la revisión de lo efímero

El viernes pasado nos visitó en el CES Laura Torrado para presentar su trabajo fotográfico y hablarnos de su experiencia en el mundo del arte. Sus impresiones y consejos fueron valientes, esclarecedores, como una bocanada de aire fresco. 

Nos habló de los peligros que corre el artista, el peligro de repetirse a sí mismo, la pereza, las excusas, la tendencia a perder el tiempo en tecnologías o pasos intermedios.

Por otro lado, el espíritu de aventura, la necesidad de hacer -- aún sin saber muy bien lo que se está haciendo -- la capacidad para no aburrirse nunca, de abrirse, como una raíz, en diferentes direcciones:

Durante su etapa en Brooklyn aparecieron sus primeros trabajos. Elaboradas estructuras que después eran fotografiadas como si fuesen piezas escultóricas. Los materiales: piel, papel, telas, hojas, frutos, bolsas de basura... 

Ya desde el principio imperaba la búsqueda de una poética de lo efímero. Todo ello quizás en una huida hacia lo volátil, lo ingávido, lo sutil, en clara posición combativa hacia la escultura tradicional con materiales pesados y duros. Lo efímero acentúa el absurdo, el sinsentido de algo que no va a existir eternamente. Aparece también el fenómeno del azar al trabajar tanto delante como detrás de la cámara.

Aparece siempre la necesidad de intervenir el espacio a través de la forma, de dialogar con los espacios tanto en interior como en exterior. En esta etapa la fotógrafa se aproxima al "Land Art", atraida por la idea de aprovechar el entorno, las fuerzas de la naturaleza. Vemos en estos "pulmones del río" cómo el cuestionamiento sobre lo efímero se iba desarrollando a medida que avanzaba su camino artístico. 

Si la creación puede definirse como la necesidad de poner objetos en el mundo, lo que Laura Torrado cuestiona es precisamente la perdurabilidad de esos objetos. En ello, una crítica velada a toda una tradición del pensamiento Occidental: la de la permanencia. Si pensamos por ejemplo en el arte de las mandalas de la cultura budista, comprendemos que hay otras maneras de entender esta necesidad de "supervivencia" del artista en el objeto creado --vanitas vanitatis.... 

El título de esta serie es significativo: "Trashumancia". Estas fotografías son como una especie de pasos por la vida, diferentes estadios de una constante metamorfosis. Sus pequeñas escenografías remiten a los tópicos del Barroco: el Tempus fugit, el Memento mori, incluso el Ubi sunt. 

Para qué crear una escena, recrear un instante, registrar una acción que no va a existir más allá del momento en que es fotografiada. Ésta es una de las preguntas más recurrentes en la obra que nos presentó Laura Torrado. Cuál es la necesidad de apresar el presente, cuál es su sentido.

Otro de los grandes temas en su fotografía es el de la construcción de la identidad, en particular, la de lo femenino. De ahí el título de su serie "Hamam", ese espacio privado donde se destapan los cuerpos en una cultura donde el cuerpo de la mujer está casi siempre oculto. Aparece la idea de la piel como capa de contención del cuerpo, las segundas pieles que nos hablan de la corporalidad y lo identitario.

En su serie "Vidas suspendidas", volvemos al tempus fugit. Pero ahora se trata de curiosos bodegones al estilo Barroco, donde el claroscuro acentúa unos cuerpos que hablan de tiempo y donde se explora la "teatralidad" de los materiales. El tema del tiempo siempre desde el punto de vista del ser humano, desde su condición perentoria. En particular se juega con el rostro como soporte, como textura, como forma. Hay una búsqueda de la belleza frente a la muerte.

En realidad estos bodegones están a la orden del día, si tenemos en cuenta la profunda semejanza entre el periodo del Barroco y los tiempos que corren. Por qué no escuchar los consejos de aquellos artistas cuyo presente era de alguna manera un preludio del nuestro. Laura Torrado se aproxima a los clásicos con valentía, revisándolos, re-visitándolos. 

Se acentúa además la decadencia. La vegetación que invade los espacios interiores de lo doméstico, lo privado, lo ordenado. O bien, se juega con la noción de lo orgánico y lo inorgánico. La degradación de aquello que una vez estuvo ligado a un organismo vivo, pero que ahora es sólo desecho, un resto de algo que existió. Como los cuerpos de mujer en el mostrador de una pescadería, el pelo aparece inerte sobre una hoja en blanco, desprovisto de características identitarias. 

Terminamos aquí el diálogo con la fotógrafa apelando a ese mensaje que nos deja escrito en su piel, esa especie de interpelación al otro, al tú, como pieza fundamental en la construcción de nuestra propia identidad.

Por último una rápida mención a sus mujeres artistas predilectas:

- Ana Mendieta (La Habana, 1948 - Nueva York, 1985):

- Louise Bourgeois:

Rebecca Horn: